Ancora giovane ma già con un eccellente curriculum, Federica è un’artista che si esprime soprattutto con l’installazione, muovendosi tra tecniche e materiali diversi, sia tradizionali (come la fusione in bronzo a cera persa), che inconsueti (come camere d’aria e lacci emostatici). Per Villa Greppi propone un progetto che racconta l’attualità. “La mia generazione ha dovuto affrontare due trasformazioni ambientali: quella naturale e quella sociale.”, spiega nella sua proposta, “Gli esseri umani non possono ignorare la cultura in cui sono nati e che costituisce la loro identità, poiché rappresenta un aspetto fondamentale della loro vita”

Artista poliedrica, Antonella Gerbi si muove tra scultura, installazione e performance. Coerente con lo spirito della sua ricerca, che si sviluppa sempre in relazione all’occasione in cui è coinvolta, per il suo anno in Villa Greppi non ha pensato a un’opera nello specifico, ma ha manifestato un’intenzione.

“Sento l’urgenza di proporre per la residenza una tematica che sia insieme espressione personale che comunitaria, utilizzando il mezzo artistico come veicolo per far osservare, riflettere, educare, difendere e valorizzare ciò che siamo e ciò che abbiamo intorno”, scrive nel suo progetto.

Oggetto della sua intenzione è la tematica ambientale, che lei ama interpretare fuori dai consueti confini, connettendola alla realtà sociale e umana del luogo. Attraverso l’esplorazione del luogo, condotta mediante la realizzazione di disegni, di azioni performative che possano coinvolgere anche i fruitori della villa e di opere tridimensionali composte anche con materiali trovati sul posto, la Gerbi raggiungerà la completezza del suo progetto. Una scrittura in frammenti che sappia raccontare poeticamente la realtà che ha incontrato in un anno di lavoro.

C’è qualcosa che proviene dal passato nei dipinti di Maurizio Pometti: un’eco, un filo che si intreccia nella memoria (individuale e collettiva) e che appartiene alla storia del nostro Paese. Un racconto tutto italiano. Un’atmosfera e un’iconografia che hanno il sapore di un romanzo storico, di un film neorealista, di qualcosa che ci appartiene, un ricordo sfocato eppure persistente.

Non per caso tra i propri riferimenti letterari Pometti cita Il giovane Holden – il romanzo di formazione per eccellenza – e Il Gattopardo – vera e propria icona della sua regione d’origine: la Sicilia. “Nella mia pittura cerco di recuperare il valore del ricordo dove l’uomo, sempre al centro della scena, vive un luogo che accomuna tutti noi”, spiega l’artista stesso, “Credo che ogni luogo sia contaminato dalle nostre esperienze, dal nostro vissuto e dagli avvenimenti che uniscono le nostre vite come un filo trasparente”.

Le opere di Pometti partono da fotografie raccolta qua e là. Non importa chi siano i protagonisti di quelle foto: l’immagine, fissata dall’obiettivo, supera l’esistenza stessa dell’individuo immortalato, si fa assoluta, continua a vivere autonomamente. I corpi e i volti di persone che Maurizio non ha mai conosciuto, diventano soggetto per il suo universo pittorico. Corpi e volti che non hanno più uno spazio-tempo, che paiono sospesi in un luogo rarefatto e suggestivo, plasmate nella materia dei sogni o di lontani ricordi. Il monocromo azzurro, questa particolare gamma cromatica sulla quale Pometti insiste, rende questa sensazione ancor più profonda, proiettando chi osserva il dipinto in una dimensione altra, atemporale, da una parte famigliare, dall’altra distante e immaginifica.

Anche per lui, l’esperienza in Villa Greppi non sta passando senza lasciare tracce sulla sua pittura. Pur restando fedele alla sua cifra stilistica e ai propri soggetti, nei lavori realizzati nel periodo di residenza Pometti ha osato una pennellata più decisa e definita, che incide maggiormente i contorni delle figure, accentuandone la plasticità. Egli ha, inoltre, avuto occasione di riflettere sul valore del paesaggio. Sedotto dalla magia del parco della Villa (e forse anche dai disegni di Alessandro Greppi, fonte di ispirazione e “nume tutelare” di buona parte dei residenti del progetto!), Maurizio ha cominciato a sperimentare il tema del paesaggio naturale, in opere pensate in dialogo – quasi a formare dei dittici – con le sue composizioni con figure.

Simona Bartolena

Tra tutti i possibili materiali con cui fare arte, Giulia Nelli ne ha scelto uno ben particolare: il tessuto dei collant. Con questa materia elastica, avvolgente, trasparente e solo apparentemente fragile disegna nello spazio strutture dinamiche, dall’aspetto biomorfo, che si relazionano con esiti sempre molto interessanti con l’ambiente che le ospita.

Nata a Legnano nel 1992, Giulia ha studiato a Brera dove si è laureata nel 2014 e al Politecnico, dove ha conseguito nel 2016 il Master IDEA in Exhibition Design. Per completare la sua formazione ha seguito il corso di Arazzo Contemporaneo presso la Scuola d’Arte Applicata del Castello Sforzesco a Milano.

Quello della Nelli è un lavoro legato alla manualità, a una gestualità che rimanda al contempo alla tradizione del lavoro femminile e alla pratica sperimentale della scultura più d’avanguardia.

Per Villa Greppi Giulia ha immaginato un progetto artistico, come spiega lei stessa, “che utilizzerà la metafora del viaggio all’interno del bosco e del suo sottosuolo per interrogarsi su un nuovo modo di intendere la convivenza tra gli uomini: da un lato, un percorso interiore alla ricerca del senso della vita attraverso il tessuto di legami e la rete di relazioni che segnano il cammino di ogni individuo e lo rendono capace di sentire in profondità; dall’altro lato, un’immersione fantastica nel suolo, dove comunità vegetali e animali sono integrate in una rete estremamente complessa che dà priorità al mantenimento di legami simbiotici, offrendo un nuovo punto di vista su come portare avanti la sfida per la sopravvivenza sulla terra. Ritengo, infatti, che il duplice tema delle relazioni interpersonali e del rapporto uomo-natura sia stato reso ancora più attuale dall’emergenza COVID 19, che ha ampliato la percezione di solitudine che da tempo contraddistingue una società fortemente individualistica e ha incrinato il fascino del gigantismo in ambito industriale, agricolo e urbano, a favore di modalità di convivenza che sappiano integrare senza soluzione di continuità ogni elemento della cultura, dell’economia, dell’urbanistica e della tecnologia nella vita simbiotica della terra”.

Da un punto di vista artistico, le opere che intende realizzare in residenza cercheranno di esprimere i sentimenti contrastanti di questo periodo storico, nel quale alla fiducia nella scienza e nel progresso si affianca un forte senso di vulnerabilità e di fragilità dell’essere umano. Ecco allora che a vuoti e a forme fragili, ritagliate, sottili ed esili, si affiancheranno le trame dei fili, ottenuti dalla rottura e dalla scomposizione del tessuto dei collant, che fungeranno da connettori, mostrando quale forza può generarsi da apparenti fragilità grazie al complesso intreccio di legami fisici e immateriali che intessono la storia di un territorio”.

L’universo di Marianna Iozzino è sospeso e poetico, fatto di segni, appunti tracciati su taccuini privati, giochi di luci e ombre che si rincorrono rapidi su un foglio di carta. “Vorrei sviluppare il mio lavoro pittorico in stretta relazione col contesto, andando alla ricerca del particolare, del trascendente, della luce e delle ombre di ogni ambiente del casale, appuntando tutto su dei piccoli taccuini, che costituiranno il fulcro della mostra finale. Vorrei infatti che i taccuini nati da questo soggiorno siano posti in relazione con gli ambienti, appoggiati su una sedia, appesi al soffitto, ecc.. e che creino una sorta di calendario personale del mio modo di vivermi questa esperienza artistica. (…)”, “Tutte queste esperienze si concretizzeranno nella creazione finale di una tela, il cui tema, ora ignoto, si genererà pian piano durante una ricerca paziente…”, spiega lei stessa nel progetto presentato. A convincere è stata la poeticità intima e la forza espressiva del suo segno, sia quando declinato in bianco e nero, nelle piccole dimensioni della pagina di un taccuino, sia quando gestito nella potenza del colore, su tele di più ampia dimensione.

Alice lavora con la polvere, in cerca della poesia che le piccole cose ci offrono e che spesso noi, frettolosi e distratti, non siamo in grado di cogliere.
A Villa Greppi Alice Bertolasi porta la sua ricerca delicata e poetica, che si muove sul filo di un sussurro per raccontare temi profondi e importanti. La fragilità, del resto, per lei è un veicolo estetico ed espressivo straordinario e come tale non la nasconde, anzi, la cerca e la esalta. Cosa racconta più di un luogo, del passare del tempo, dell’esistenza stessa che un granello di polvere? Lei, dunque, trasforma i granelli di polvere in opere d’arte e l’azione dello spolverare in performance e installazioni sonore. I suoi sono interventi sinestetici, che coinvolgono tutti i sensi, che avvolgono lo spettatore trasportandoci in uno spazio-tempo intimo che ci riguarda direttamente.

Alice traccia mappe emotive seguendo il racconto di ciò che nella consuetudine spazziamo via senza remore e riguardi, raccoglie le memorie di un luogo considerandone il segno del passare del tempo, in una riflessione che sta in equilibrio tra il senso della Vanitas e l’indagine sulla storia di un luogo.
Artista completa e sempre in cerca di nuovi linguaggi da sperimentare, la giovanissima Alice Bertolasi stupisce con una serie di interventi diversi realizzati con tecniche differenti.

Pensare a uno scultore del legno nato a Trento conduce subito a un preciso immaginario. La scuola dei maestri del legno di quella zona d’Italia è notissima, importante e molto connotata. Per questo è stato notevole l’effetto della lettura del progetto con cui Aran ha vinto la prima residenza bimestrale in Villa del 2021: il legno c’era, ma era usato per realizzare sculture totemiche, di chiara ascendenza africana ma anche frutto di uno strano e proficuo incontro tra culture diverse, in bilico tra preistoria e contemporaneità.
Aran Ndimurwanko è nato a Trento, nel 1991 ed è figlio dell’incontro di Carla, trentina, e
Abraham, burundese. Le sue doppie origini gli hanno lasciato un dono prezioso: la possibilità di contaminare mondi, di mescolare estetiche e linguaggi. Un dialogo che ha dato subito spessore alla sua ricerca artistica, in un percorso cominciato con il diploma in Decorazione Pittorica all’Istituto d’Arte A. Vittoria di Trento nel 2010 e proseguito con quello in Scultura nel 2015 all’Accademia di Belle Arti di Venezia, nella classe di Giuseppe La Bruna. Da allora la sua personalità si è definita con sempre maggior chiarezza, scegliendo come propria cifra stilistica l’utilizzo di materiali naturali e di recupero, quali terracotta, legno, pietra.
L’approccio con lo scenario di Villa Greppi è stato dei migliori. Come gli altri residenti, anche lui se n’è subito lasciato conquistare, immergendosi completamente nella serenità di un luogo tanto avvolgente e affascinante. “Non è una cosa da tutti i giorni poter avere due mesi tutti per sé, fatti solo per pensare al proprio lavoro!”, afferma con entusiasmo, e mentre lo dice gli occhi gli brillano. Due mesi senza altre preoccupazioni che quella di fare arte, di sperimentare, di lavorare sui suoi progetti gli sembrano davvero un bene prezioso. Il primo progetto intrapreso, tra l’altro, lo vede cimentarsi in una tecnica diversa da quella a lui famigliare della scultura nella materia. Aran ha preso in prestito una macchina per cucire e si sta dedicando alla realizzazione di arazzi in tessuto. Le forme e le figure essenziali sono le sue, ancestrali, quasi tribali, ma la contaminazione con il luogo è evidente.

Silvana Castellucchio ha vinto la residenza annuale: il suo progetto per Villa Greppi si estende per tutto il 2020. Pittrice di talento, Silvana è anche professionista nell’arte terapia, disciplina che intreccia con passione alla sua ricerca artistica personale.

Lo stile della Castellucchio affonda le radici nella pittura informale. Pur nella loro natura introspettiva, le sue opere, dai cromatismi intensi e dalle pennellate istintive e materiche che ordiscono, strato dopo strato, trame ben strutturate, nascono da suggestioni esterne e dalla relazione e il confronto con gli altri.

Il suo posto nel progetto Silvana se l’è guadagnato con un progetto particolare, che non si ferma alla pittura ma che dialoga con l’arte processuale e la land art. Ispirata dal parco della Villa, Silvana sta lavorando sul tema del Minotauro e del labirinto, con disegni su carta e tele che disporrà poi in un percorso all’aria aperta. Spesso Silvana destina i lavori su tela al progressivo degrado, esponendoli all’aria aperta. Anche in questo caso interagirà con l’esterno della Villa, creando percorsi e mettendo in dialogo i propri dipinti con l’ambiente circostante e con i visitatori.

Del tutto straordinario e in qualche modo inaspettato è stato l’incontro tra Villa Greppi e Francesca Della Toffola. Nella sua residenza, avvenuta tra luglio e agosto, Francesca è stata stregata dalla Villa e dai suoi segreti. Con il suo obiettivo ha catturato gli aspetti più magici dello splendido edificio e ha condotto la propria ricerca con una serie di sperimentazioni fotografiche dagli esiti sorprendenti, usando tecniche desuete, quale il foro stenopeico e potenziando il suo abituale processo creativo che prevede il fotomontaggio e la sovrapposizione di immagini diverse. Nella mostra di fine anno avremo modo di scoprire questo suo viaggio molto personale nelle stanze della Villa.

Attilio Tono sta lavorando all’ambizioso progetto per cui è stato chiamato in Residenza: realizzazione una monumentale scultura con il tronco di Cedro dell’Himalaya che si trova all’ingresso del Parco. Attilio giocherà sulle forme, sui pieni e sui vuoti, sul dialogo dei materiali, mettendo la sua interessantissima ricerca artistica al servizio di una sfida non semplice ma certamente molto stimolante. «Il progetto con cui Attilio si è aggiudicato la residenza – spiega la curatrice – è molto interessante e ben rispecchia la sua produzione di sculture polimateriche, fortemente percettive e profondamente poetiche, pur nel rigore delle loro forme, che mettono in relazione materiali diversi, che aprono un dialogo tra sensazioni tattili e visive opposte».

Per chi segue dall’anno scorso le attività legate alle Residenze d’artista di Villa Greppi quello di Roberto Picchi è un nome familiare. Picchi, infatti, aveva vinto lo scorso anno un premio speciale della commissione per il suo progetto “Rivivere”. L’opera proposta – evocativa fin dal titolo – suggeriva una riflessione importante sul tema del consumo smodato di carta. Nei suggestivi spazi del Sottogranaio della Villa, Picchi aveva ricreato un ambiente naturale “ove il tempo e lo spazio paiono sospesi e la presenza dell’uomo incombe sul paesaggio incontaminato”.
Quest’anno Roberto è riuscito a convincere ancora la commissione scientifica del progetto promosso dal Consorzio di Villa Greppi e ad aggiudicarsi la residenza annuale con un’opera altrettanto intelligente e affascinante. Picchi raccoglierà “frammenti” lasciati nel parco, elementi sia naturali che artificiali raccolti nell’area che circonda la Villa e li trasformerà in oggetti scultorei inglobandoli nella resina, donando loro una nuova vita e una identità.

Roberto Picchi è nato nel 1996. Terminate le scuole secondarie ha frequentato il liceo artistico M.K.Gandhi, di Besana Brianza. I primi due anni ha studiato arte figurativa. Nel triennio successivo ha conseguito il diploma nell’indirizzo grafico-pubblicitario. Terminate le scuole superiori ha intrapreso, nel 2015, gli studi accademici presso l’Accademia Carrara di Belle Arti di Bergamo, seguendo il corso di pittura.
Sebbene sia ancora molto giovane, Picchi ha già una personalità ben definita e una linea di ricerca molto solida. Le sue opere – tutte site-specific – rivelano una notevole capacità nell’indagine di un tema e nella sua trasformazione in un’opera d’arte sempre originale ed efficace.

Classe 1974, laureata in Storia dell’arte all’Università di Siena, Vera Pravda prima di approdare alla pittura è stata museologa, archivista e art director. Di questo suo passato da organizzatrice e teorica dell’arte, Vera ha mantenuto la fiducia nella relazione con il pubblico, nel dialogo con gli altri, considerando i momenti di interazione un motivo di riflessione e un’occasione preziosissima di crescita.

Il suo anno in Residenza Vera l’ha ottenuto grazie al progetto Quarantotto, che prevede la realizzazione di sei dittici dedicati ad altrettanti luoghi iconici di Villa Greppi. Una tela al mese, dunque, per mettersi in relazione con i luoghi che la ospiteranno per un intero anno. I sei dittici saranno composti da due tele di 2 metri x 2 ciascuna e prevederanno sei punti di vista diversi osservati in momenti diversi delle stagioni, cogliendo le mutazioni atmosferiche e climatiche. “L’obiettivo”, scrive Vera, “è catturare l’identità nascosta, l’anima celata dei luoghi che accolgono la residenza, in modo da distillare l’essenza di Villa Greppi come luogo affettivo, legato alle emozioni e alle memorie, individuali e collettive”.

Ma l’ambizione di Vera Pravda non si ferma all’indagine territoriale trasformata in opera d’arte. La sua ricerca presta, da sempre, un occhio di riguardo all’ecologia. L’artista, infatti, impiega per i suoi lavori una speciale vernice che abbatte i NOx, i gas prodotti dalla combustione, tra le principali cause di inquinamento dell’aria. Ogni metro quadrato di dipinto realizzato ha lo stesso impatto sull’inquinamento di quello di un metro quadrato di foresta ad alto fusto. Alla creazione artistica, dunque, si associa un’azione benefica sull’ambiente.

Con il suo stile dal vago sapore pop, che sintetizza l’immagine e la traduce in campiture cromatiche piatte e brillanti, Vera interpreterà dunque, immergendovisi con gli occhi e il cuore, il parco e la villa nei diversi momenti dell’anno, con esiti che sapranno sorprenderci.

I meccanismi della memoria – sia privata che collettiva – si muovono su molteplici binari. Il ricordo di un individuo, di una società, di un territorio può permanere nel tempo grazie a mezzi differenti: immagini fotografiche, ad esempio, o il racconto orale tramandato di generazione in generazione, o documenti e testi scritti, oppure oggetti o ciò che resta di essi. Quest’ultima categoria è spesso la meno immediata: senza dubbio è quella che richiede maggior attenzione e sensibilità da parte di chi la raccoglie, talvolta salvandola dall’indifferenza che l’avrebbe condannata alla distruzione o ad essere coperta dalla polvere degli anni. Eppure questi frammenti hanno uno straordinario potere evocativo. Del passato non conservano solo il ricordo personale di un narratore, né l’occhio soggettivo di un fotografo, ma recano le tracce di un’esistenza ancora tangibile, reale. Sulla loro superficie – spesso abrasa, ossidata, scolorita, danneggiata, ferita – essi registrano la vita che hanno conosciuto e le impronte delle mani che li hanno toccati, di qualcuno che li ha posseduti, utilizzati, forse anche buttati o abbandonati in un angolo.

Archeologo del contemporaneo, Carlo Mangolini costruisce memorie collettive partendo dal ricordo individuale di un oggetto recuperato. Nel farlo mette a frutto i suoi molteplici talenti: la logica e il rigore dei suoi studi e del suo mestiere di architetto, l’attenzione per le dinamiche di una società e uno sguardo intelligente sulle relazioni tra diversi elementi in uno spazio coltivati grazie alla sua attività di curatore di mostre ed eventi culturali e il linguaggio personale di un artista libero dagli schemi, che ha seguito i suoi percorsi, facendo le proprie scelte senza mai adeguarsi alle consuetudini imposte dal sistema dell’arte.

Nella messa a fuoco del suo operare artistico gioca un ruolo fondamentale la sua città di provenienza: L’Aquila. Il ricordo ancora tangibile del drammatico terremoto che ne ha letteralmente distrutto non solo le architettura ma anche il tessuto sociale offre alla ricerca di Carlo Mangolini un terreno ricco di motivi di riflessione. Basterebbe la sua opera Quello che resta, composta da frammenti di oggetti in ferro che fanno da cornice ai resti di un grazioso putto di ceramica (un tempo esposto nel suo studio, raso al suolo dal sisma), per comprendere la via espressiva di questo artista capace di affidare un ricordo personale a un semplice oggetto: un oggetto che, immediatamente, si trasforma in icona, in un’immagine potentemente evocativa nella sua disarmante semplicità.

Attraverso gli oggetti – vecchie chiavi, serrature, vecchie lampadine, rubinetti, lame, seghetti, pezzi di ferro arrugginito… – Mangolini tesse trame tutte da leggere. Con curiosità e una sensibilità fuori dall’ordinario, Carlo indaga, cerca, studia, comprende… e scrive storie; storie che raccontano, fanno riflettere, denunciano o semplicemente – romanticamente – ritraggono le persone, i luoghi, le società che lui ha incontrato, mescolando ricordi, incrociando esistenze, culture, sentimenti… costruendo nuove memorie.

La seconda residente bimestrale del 2019 del progetto di Villa Greppi è Maddalena Granziera, artista trevisana. Giovanissima (è nata nel 1991) ma già con un curriculum di tutto rispetto, Maddalena si è guadagnata il favore della commissione grazie a un progetto dedicato a un’indagine geografica del territorio compreso tra le province di Como e Lecco. Il progetto porterà alla realizzazione di vari lavori – disegni, fotografie, tele – ma l’opera principale è una mappa in scala 1:25.000 realizzata su tela in cui sono riportati, tramite pittura a olio, i due rami del Lago di Como e i laghi di Montòrfano, Alserio, Segrino Pusiano e Annone.

Attraverso l’utilizzo della tecnica del trasferimento fotografico, la Granziera riporta sulla tela alcuni dettagli fotografici dei luoghi visitati durante la prima fase di esplorazione. L’effetto evanescente delle fotografie e il colore rosa dell’acqua contribuiscono a generare una “mappa astratta” lontano da una rappresentazione didascalica del territorio, in cui ogni elemento diventa parte di un grande disegno immaginario. Il calcolo in scala e gli scatti originali (che sulla tela perdono di definizione) sono l’unico riferimento “oggettivo” alla realtà.

Partendo da tecniche e metodi propri della cartografia e dello studio della conformazione geografica di un territorio, l’artista trasforma il dato oggettivo in qualcosa di immaginifico, sfuggente, onirico, che si misura con la pittura (una pittura sensibile, attenta alle percezioni atmosferiche, alle variabili del vero), con il segno astratto (un segno deciso, forte, sicuro), per liberarsi dai vincoli di una singola disciplina e aprirsi a una straordinaria contaminazione di grammatiche diverse, che porta a un’indefinibile, e per questo attraente, originale e interessante, modalità espressiva.

Nato a Vercelli nel 1979, formatosi tra Venezia e Milano, ora residente vicino a Venezia, Claudio Beorchia è un artista complesso, difficilissimo da chiudere in una definizione. Se ne rende conto anche lui quando, nel suo sito, rinuncia a raccontare i propri lavori perché troppo difficili da descrivere e mostrare in una pagina web.

Beorchia si muove rapido e libero, sia dal punto di vista “geografico” che da quello “creativo”. Il suo curriculum espositivo è notevole, considerando la sua età, e altrettanto, forse ancor più, impressionanti sono le sue collaborazioni con realtà italiane e straniere, per cui ha realizzato opere site-specific. Perché Claudio procede così nella sua ricerca: per progetti, residenze, incontri. Ed è così che nascono le sue opere: per contaminazioni, intuizioni, punti di vista. Nessun limite nel linguaggio, nello stile, nei materiali impiegati. La sua personalità sta proprio nel non avere una personalità codificata, nel muoversi senza argini nelle infinite possibilità espressive, scegliendo ogni volta le caratteristiche, le tecniche, gli strumenti più efficaci per comunicare un concetto, un’idea, un’emozione.

Claudio Beorchia, quindi, giunge a Villa Greppi come un foglio bianco pronto a farsi scrivere sopra un racconto. Aspetta che il luogo gli parli, gli suggerisca una sensazione da tradurre in un’installazione totalmente site-specific. Un’opera che non sarebbe mai nata senza questa esperienza.

Interessantissime, quindi, sono le sue prime notazioni: qualcosa è come si aspettava (la villa, il parco…), qualcosa invece lo sorprende: “Quello che mi ha sorpreso – afferma – è ciò che avviene appena fuori, al di là del cancello e del muro: il traffico vorticoso lungo la strada. La casetta del custode dove risiedo è una sorta di frontiera, di dogana: se mi affaccio verso la Villa c’è pace e tranquillità; se mi affaccio verso la strada c’è invece l’incessante andirivieni di auto, camion, moto. Il momento per me più emblematico di questo iato, visivamente surreale, si compie nei weekend quando, da tarda sera fino a notte fonda, va a sistemarsi, quasi di fronte all’ingresso di Villa Greppi, appena più giù in direzione Carate, il furgoncino dei panini. In genere ricollego quel tipo di presenza a contesti urbani, lungo le statali e vicino ai locali notturni. Trovarmelo qua è stato davvero curioso. Senza dubbio rifletterò su questa doppia anima della Villa, che mi sembra in realtà una caratteristica generale e forse peculiare di questo territorio: angoli verdi, colline e residenze appartate, che si alternano repentinamente a rotonde, strade dense di auto e aree fortemente urbanizzate. Cercherò di creare un dialogo fra le due anime, quella bucolica e lenta della Villa e del Parco, con quella più frettolosa e motorizzata appena fuori. Attualmente sto ragionando su due possibili vie per instaurare questo dialogo: una che esplora il paesaggio attraverso il linguaggio fotografico, l’altra invece più vicina alla poesia performativa. In entrambi i casi si tratta di progetti mossi dalla ricerca di leggerezza (in senso Calviniano) e sottilmente ironici (come spesso accade nei miei lavori)”.

C’è un contrasto stridente tra il tocco raffinato, da abilissimo acquerellista, di Leonardo Prencipe e i soggetti da lui trattati. Un contrasto che accende riflessioni profonde sulla reale identità di un oggetto, anzi, di quel che resta di un oggetto, perché protagonisti delle opere dell’artista sono rottami, carrozzerie sfasciate, lamiere di ferro arrugginite che un tempo erano automobili e motociclette… Nella trasparenza del colore e nella leggerezza del segno, Prencipe dona a questi oggetti un tempo dinamici e ora inanimati un soffio vitale, ridandogli un’anima, un senso, un nuovo ruolo. C’è una poesia malinconica negli acquerelli di Leonardo, c’è il silenzio del tempo che su queste auto e su queste moto è passato, lasciando i suoi segni, graffiando e guastando, incapace, però, di cancellarne del tutto l’identità, di occultarne il ricordo. Ed è proprio questa identità che Prencipe richiama alla memoria, evocando ricordi e emozioni legati alla storia, con un punto di vista che riconsidera il rottame come qualcosa da valorizzare e nobilitare. Anche facendone un soggetto pittorico. Per l’opera finale da lasciare a Villa Greppi Prencipe ha pensato alla raffigurazione di una Moto Guzzi, veicolo profondamente legato al territorio lecchese.

(Simona Bartolena)

BIOGRAFIA DELL’ARTISTA

Leonardo Prencipe nasce a Manfredonia nel 1985. Dopo essersi diplomato, si trasferisce a Bologna dove inizia gli studi di pittura all’Accademia di belle Arti nel corso del Prof. Bruno Benuzzi. Contemporaneamente all’accademia, frequenta un corso di fumetto ed illustrazione presso l’associazione Giardini Margherita di Bologna. Interrompe gli studi in accademia e si sposta a Chieti dove si diploma nel corso di Fumetto presso la Scuola Internazionale di Comics di Pescara. Nel frattempo continua a studiare la pittura come autodidatta e nel 2010 si trasferisce a Milano dove riprende gli studi interrotti all’accademia di Belle arti Acme, frequentando il corso di pittura del Prof. Bernardino Luino. In seguito si trasferisce a Brera, e conclude il percorso di pittura con il Prof. Renato Galbusera, diplomandosi nel 2013 con il massimo dei voti. Ha in attivo diverse esposizioni su tutto il territorio nazionale.
Attualmente vive e lavora a Lecco.

APERTURA AL PUBBLICO DELL’ATELIER

Tutti i martedì di luglio dalle ore 9.00 alle ore 13.00; domenica 15 settembre e domenica 23 settembre 2018, in occasione dell’iniziativa “Ville Aperte in Brianza”.

“Credo che tutti abbiamo una seconda vita, quasi segreta, con la quale proviamo a vivere emozioni e pensieri diversi da quelli consueti. Quando ho cominciato il mio lavoro cercavo appunto di definire quest’altra me. Ogni ricerca personale, artistica, poetica ha bisogno delle sue definizioni particolari e credo che ogni artista non si senta appagato fin quando non trova questa sua dimensione, diciamo, parallela. Quando ho fatto il primo calco in garza ho scoperto proprio questo, un sentimento di definizione. Potevo, finalmente, abitare questa me parallela e comunicare da qui con gli altri.  La garza, per me, significava soprattutto trasparenza, leggerezza e presenza di una forma. Nel mondo simbolico da cui vedo la mia contemporaneità la trasparenza e l’allusione alla forma mi permettono di muovermi senza fissare delle appartenenze. Le nostre generazioni sono cresciute in un periodo nel quale le grandi aspirazioni e le certezze sociali venivano meno e abbiamo dovuto, in tempi brevi, riprogettare il nostro futuro. Oggi, credo che la nostra grande possibilità sia proprio l’incertezza ovvero quel momento dove il margine tra ciò che è definito e ciò che non lo è consente di sperimentare nuovi usi della libertà emotiva ed intellettuale. Con i miei lavori in garza faccio questo, abito delle possibilità”.

Così, con la chiarezza e la serenità riguardo alla propria ricerca che la contraddistingue, Federica Ferzoco racconta i motivi del proprio lavoro. Federica indaga da sempre la materia, ne cerca gli aspetti meno consueti, ne trova i linguaggi più interessanti: la piega, la plasma, la trasforma, la rende veicolo di forme e figure senza tempo, sospese tra la tradizione classica e la sperimentazione contemporanea. Nelle sue garze, nei suoi tessuti leggeri, ineffabili, dinamici, tramuta i corpi in spiriti o forse, al contrario, dona agli spiriti un corpo, rendendoli visibili ai nostri occhi. Sono figure che spiazzano, ma non spaventano né inquietano, anzi semmai incantano, regalandoci una splendida sensazione di avvolgente intimità, inducendoci ad abbassare un po’ la voce, quasi per non destarle o per non rompere la magia della loro silenziosa presenza, della loro serena, naturale sebbene inspiegabile, immobilità.

I corpi in garza della Ferzoco abitano gli spazi, si adagiano negli ambienti prendendone possesso. Essi dialogano con il mondo e la sue forze naturali, temono gli elementi (come si preoccupa Federica per la possibile presenza di umidità, condizione letale per il suo lavoro! Come si preoccupa per la delicatezza delle sue sculture!) ma al contempo sfidano ciò che li circonda, cambiando in qualche modo la dimensione spazio-temporale del luogo dove sono collocati. E sono molto più forti di quanto la loro stessa creatrice non creda. Forse possono sciuparsi, danneggiarsi, mutarsi in qualcosa di diverso dalla perfezione del calco uscita dalle mani dell’artista… Ma sopravvivono. Corpi immobili ma non statici. Ombre ma non spettri. Riflessi di vite ancora presenti. Ci sono. Esistono qui e ora. Pare anche di udirne il respiro. Per Villa Greppi Federica ha intenzione di creare un’installazione con i calchi di coloro che in un anno di lavoro si sono prestati a farle da modelli.

(Simona Bartolena)

BIOGRAFIA DELL’ARTISTA

Federica Ferzoco vive e lavora a Milano, dove ha conseguito il Diploma Accademico in
Scultura e il Diploma di 2° Livello a indirizzo Didattico all’Accademia di Belle Arti di Brera.
Alla sua attività artistica affianca l’insegnamento delle Discipline Plastiche e Scultoree nella scuola secondaria di secondo grado.
> Leggi la sua biografia dettagliata

APERTURA AL PUBBLICO DELL’ATELIER

Gabriel Stöckli (1991) è un artista svizzero che vive e lavora tra Milano, dove frequenta il biennio specialistico in arti visive e studi curatoriali di NABA, e Balerna (CH). La sua ricerca si sviluppa a partire da una dimensione progettuale e compositiva declinata attraverso differenti modalità operative: collages, sovrapposizioni, decostruzioni di immagini, idee, oggetti che spesso appartengono a una quotidianità che lo circonda. Utilizza tecniche e materiali eterogenei con cui scomporre frammenti di realtà, foto e cartoline, tra le più disparate prelevate e ritagliate da magazines, giornali e rotocalchi, appartenenti anche a un immaginario popolare e diffuso; particolarmente importante il proprio background adolescenziale, che attinge allo skateboarding, musica e in generale a una maggiore spensieratezza. La procedura di costruzione di ogni lavoro rimanda a un concetto di modularità ottenuto con diversi espedienti tecnici come campiture cromatiche, installazioni e visioni in movimento.